MALEREI | FRANK HUTTER
May 8 – June 19, 2026
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447 Space presents MALEREI, a selection of recent works by Frank Hutter that engage with painting both as a material practice and as an exploration of space. Hutter primarily works with oil on canvas as well as oil stick on paper, investigating the conditions and possibilities of painterly means such as color, surface, and line within a reduced yet open visual language. The use of oil stick on paper introduces a more immediate and direct mode of working, in contrast to the slower, more accumulative processes visible in the oil paintings on canvas. Together, these groups of works establish a dialogue between control and contingency, density and openness, precision and gesture.
The works are characterized by a focus on surface as well as on the relationship and interaction between form and ground. Rather than beginning with figurative clarity or a fixed idea, the images develop through the painterly process—through layering, erasure, and repetition, continuously new states emerge. The sequence of these outcomes ultimately leads to a valid image. In this sense, the “good” appears less as an aesthetic category than as a moment of coherence that, as Gerhard Richter describes it, is “somehow related to truth.”
Throughout the exhibition, painting is understood less as a means of image-making than as a field of negotiation for its fundamental elements. Marks, lines, and fields of color function as structural components that both define and destabilize spatial relationships. The compositions often resist a fixed orientation, inviting the viewer to perceive them as dynamic and evolving surfaces.
Alongside these formal and painterly aspects, an atmospheric quality also plays a role in the works, one that is described less as a narrative statement than as a kind of background hum of perception. In individual paintings, such as Untitled Landscape, (Oil on linen, 2025), this layer becomes more apparent: landscape here does not appear as a depiction of a specific place, but as a condensed state of mood, distance, and perception. In this context, historical references to Romantic landscape painting, for example in Caspar David Friedrich, can be suggested—however not in the sense of iconographic reference, but as an interest in painting as a carrier of atmosphere, suspension, and internal projection.
“MALEREI” reflects an ongoing engagement with the fundamental elements of painting—color, material, line and surface—and their capacity to generate meaning without relying on narration or figuration. In this way, the exhibition aligns itself with a broader discourse on the autonomy and continued relevance of painting as a contemporary practice.
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Die Ausstellung „MALEREI“ im 447 Space in New York präsentiert eine Auswahl aktueller Werke von Frank Hutter, die sich mit Malerei sowohl als materieller Praxis als auch als räumlicher Erforschung auseinandersetzen. Frank arbeitet vorwiegend mit Öl auf Leinwand sowie mit Ölstift auf Papier und untersucht die Bedingungen und Möglichkeiten malerischer Mittel wie Farbe, Fläche und Linie innerhalb einer reduzierten und zugleich offenen Bildsprache. Die Verwendung von Ölstift auf Papier führt eine unmittelbarere und direktere Arbeitsweise ein, im Gegensatz zu den langsameren, eher akkumulativen Prozessen, die in den Ölgemälden auf Leinwand sichtbar sind. Zusammen stellen diese Werkgruppen einen Dialog zwischen Kontrolle und Kontingenz, Dichte und Offenheit, Präzision und Geste her.
Die Arbeiten zeichnen sich durch eine Konzentration auf Oberfläche sowie auf das Verhältnis und Zusammenspiel von Form und Untergrund aus. Anstatt gegenständliche Klarheit oder eine feste Vorstellung an den Anfang zu stellen, entwickeln sich die Bilder im malerischen Prozess – durch Schichtung, Ausradierung und Wiederholung entstehen fortlaufend neue Zustände. Die Abfolge dieser Ergebnisse führt schließlich zu einem gültigen Bild. In diesem Sinne erscheint das „Gute“ weniger als ästhetische Kategorie denn als ein Moment der Stimmigkeit, das, wie Gerhard Richter es beschreibt, „irgendwie mit Wahrheit verwandt ist“.
In der gesamten Ausstellung wird Malerei weniger als Mittel der Bildgestaltung denn als ein Verhandlungsfeld ihrer grundlegenden Mittel verstanden. Markierungen, Linien und Farbflächen fungieren als strukturelle Elemente, die räumliche Beziehungen sowohl definieren als auch destabilisieren. Die Kompositionen widersetzen sich häufig einer festen Ausrichtung und laden dazu ein, als dynamische und sich entwickelnde Oberflächen wahrgenommen zu werden.
Neben diesen formalen und malerischen Aspekten spielt in den Arbeiten auch ein atmosphärischer Gehalt eine Rolle, der sich weniger als motivische Aussage denn als eine Art Hintergrundrauschen der Wahrnehmung beschreibt. In einzelnen Bildern, wie Untitled Landscape, (Öl auf Leinwand, 2025), tritt diese Ebene deutlicher hervor: Landschaft erscheint hier nicht als Darstellung eines konkreten Ortes, sondern als kondensierter Zustand von Stimmung, Distanz und Wahrnehmung. In diesem Zusammenhang lassen sich auch historische Bezüge zur romantischen Landschaftsmalerei, etwa bei Caspar David Friedrich, andeuten – jedoch nicht im Sinne einer ikonografischen Referenz, sondern als Interesse an Malerei als Träger von Atmosphäre, Schwebe und innerer Projektion.
„MALEREI“ spiegelt eine fortlaufende Auseinandersetzung mit den grundlegenden Elementen der Malerei – Farbe, Material, Linie und Fläche – und deren Fähigkeit wider, Bedeutung zu erzeugen, ohne sich auf Narration oder Figuration zu stützen. Damit reiht sich die Ausstellung in einen breiteren Diskurs über die Autonomie und anhaltende Relevanz der Malerei als zeitgenössische Praxis ein.
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